Pop-Art und Marken – Marken und Pop-Art
Wie sind wir von Coca-Cola zu Chanel gekommen?
„Pop-Art ist Industriemalerei. Ich denke, die Bedeutung meiner Arbeit liegt darin, dass sie industriell ist, so wird die ganze Welt bald sein. Europa wird bald genauso sein, es wird nicht mehr amerikanisch sein, es wird universell sein.“ ”
Das obige Zitat von Roy Lichtenstein sagte definitiv das Aufkommen der heutigen globalisierten Gesellschaft voraus, ein Phänomen, durch das sich der Kapitalismus ausgebreitet hat, indem er Barrieren zwischen Staaten beseitigte, um ein globales Wirtschafts- und Kulturmodell durchzusetzen, in dem mehrere Luxusmarken zu den Hauptthemen des zeitgenössischen Pop geworden sind Kunst. Doch wo liegen die Anfänge dieses Trends und wie hat er sich im Laufe der Jahre entwickelt? Zunächst ist es sinnvoll, kurz die „Ideologie“ der oben genannten Kunstbewegung zu erläutern, um später ihre Entwicklung zu veranschaulichen, die zunächst darauf abzielt, hauptsächlich Supermarktmarken und später offensichtlich elitäreren Marken Sichtbarkeit zu verleihen . Ausgehend von den Grundkonzepten der Pop-Art zeichnete sie sich durch die Verwendung von Bildern mit hohem Wiedererkennungswert aus, die aus den Medien und der Populärkultur stammen und zusammen mit Neo-Dada und anderen Bewegungen die eigentliche Definition von Kunst in Frage gestellt und die Kunst verändert haben Letzteres Konzept in eine Dimension des Feierns und der Erhebung des Alltäglichen. Genau in diesem Sinne, nämlich in der Absicht, die Grenzen zwischen „Hoch“- und „Niedrigkultur“ zu verwischen, sind die Bilder zu verstehen, die der unbestrittene Meister dieser Bewegung, Andy Warhol, in den 1960er Jahren schuf und die darauf abzielten Bei einer Neuinterpretation der Marke Coca-Cola verfolgte er mit den ebenso bekannten Campbell’s Soup Cans die Absicht, die Produkte, die zum Leben des Künstlers gehörten, nach außen zu tragen. Diese demokratischen Gebrauchsgegenstände, da sie für die Massen zugänglich waren, wurden in den späten 1980er Jahren mit elitäreren Lithographien konfrontiert, die wie die von Chanel (1985) Teil des Ads-Portfolios waren und nicht nur die französische Marke hervorheben sollten, sondern auch auch einige der mächtigsten amerikanischen Unternehmen, wie zum Beispiel Mobilgas, Paramount Pictures, Disney und Apple Macintosh, begleitet von den ausländischen Marken Volkswagen und Blackglama. Zurück zu Chanel: Die Lithographie wurde geboren, um, inspiriert von einer Werbung aus den 1960er Jahren, ein Parfüm zu feiern, das, gelinde gesagt, eine Ikone und ein Favorit von Marilyn Monroe war und in einem einfachen und transparenten Flakon präsentiert wurde Form in einem minimalistischen Design, das sicherlich der Grund für seinen zeitlosen Erfolg war. An diesem Punkt wird uns klar, wie im letzteren Fall die Verherrlichung von Alltagsgegenständen, die durch die oben erwähnte Coca-Cola gut veranschaulicht wird, durch die „Götzenverehrung“ von Luxusgütern ersetzt wird, die als bloße Anspielung, Erhöhung und Zurschaustellung von Luxusgütern angeboten wird ein Zustand des Wohlbefindens, nach dem die Massen sehnsüchtig streben. Genau diesem unaufhörlichen Verlangen nach Besitz verdanken wir den aktuellen Erfolg von Luxusmarken in der zeitgenössischen Pop-Art, einer Bewegung, die zum Sprecher des Höhepunkts wird, den die moderne Zurschaustellung erreicht, angeheizt durch die Verbreitung montierter und konstruierter Social-Media-Bilder.
Chanel heute
Genau das oben erwähnte zwanghafte Bedürfnis, die eigene Leichtigkeit zu teilen, sowie die Sehnsucht, den Geschmack des Besitzes zu kristallisieren, wird heute gut durch Chanel (2021) veranschaulicht, einen handgefertigten Leinwanddruck von The Miaz Brothers, einem Künstlerduo aus der Lombardei, das für bekannt ist Während ihrer langen Forschungsreise, die Fotografie, Video und Malerei umfasste, entwickelte sich eine neuartige Technik, die die Herangehensweise an die Porträtmalerei erneuert hat, da seine hauptsächlich mit Airbrush und Acrylfarben gefertigten Motive verschwommene Konturen aufweisen, die darauf abzielen, rätselhafte und eindrucksvolle Bilder zu erzeugen. Genau in diesem Sinne widersetzt sich auch Chanel (2021) der Wahrnehmung des Betrachters und vermeidet eine vollständige Definition, obwohl die Silhouette des ikonischen Parfüms nun nicht mehr zu unterscheiden ist und die völlige Verbreitung, Bestätigung und Erkennbarkeit der Ikonographie des Luxus demonstriert. In der oben genannten Art der Reproduktion des Parfüms, das, sicherlich in Anlehnung an Warhols Vorbild, seinen ikonischen Flakon darstellen wollte, wurde „analog“ Chanel (2022) realisiert, ein Gemälde des Artmajeur-Künstlers Rinalds Vanadzins, das mit einer Mischung aus Acrylfarben ausgeführt wurde und Sprühfarbe auf Leinwand aufgetragen, ergab eine strukturierte, dynamische und lebendige Oberfläche, in der die sanften Pinselstriche von Acrylfarben mit der rauen Textur von Sprühfarbe kontrastieren, Techniken, die die vielfältigen Fähigkeiten des Künstlers veranschaulichen sollen, sich auszudrücken und verschiedene Materialien zu beherrschen generieren visuell eindrucksvolle Pop-Werke. Ähnlich wie Vanadzins drückte sich ein anderer Artmajeur-Künstler aus, nämlich Stan, dessen „Pop-Surrealismus“ sich in dem Kuss manifestiert, der in der Parfümflüssigkeit Leben und Form annimmt, ein Detail, das mich sofort an Salvator Dali denken ließ, einen Meister der seine eigene Interpretation der bekannten Flasche vorlegte und darauf sein eigenes „unvollendetes“ Selbstporträt darstellte, da es nur den Augen, Augenbrauen und dem Schnurrbart des katalanischen Künstlers Form verleihen sollte. Zurück zu Stan: Der zeitgenössische französische Maler zeichnet sich durch seinen einzigartigen Stil aus, der darauf abzielt, Pop- und Street-Art zu verbinden, Trends, die mit einer ausgeprägten Vorliebe für das Universum der 1950er und 1970er Jahre neu interpretiert werden, Epochen, die in ihren Ikonen verewigt sind.
Für eine weniger klassische Sicht auf die Marke
Wenn die Flasche Chanel Nr. 5 ist, wie aus den oben genannten Beispielen hervorgeht, die bekannteste und beliebteste Form für die Anspielung auf die Ikonizität der französischen Marke geworden. Eine Analyse der Arbeiten anderer zeitgenössischer Künstler zeigt uns jedoch, wie die Erzählung der Kunst über das oben Genannte hinausgeht „Klassizismus“, der zum Beispiel zwei Charaktere auf einem Rasen zeigt, in dem Moment, als einer von ihnen einen Starbucks-Drink genießt, der andere direkt über seinem Kopf das Bild des Logos des Multis sieht -Namensmarke, die darauf abzielt, das Kunstwerk mit dem Titel Chanel und Teil der Serie Product Placement (2010) in eine Art Mainstream-Werbeplakat zu verwandeln. Ich spreche von dem Werk von Alex Gross, einem 1968 geborenen bildenden Künstler, der sich auf Ölgemälde auf Leinwand zu den Themen Globalisierung, Kommerz, Schönheit, dunkles Chaos und Zeitablauf spezialisiert hat und sich in einer surrealistischen Popsprache ausdrückt zielte darauf ab, die kulturelle Atmosphäre des konsumorientierten Amerikas zu analysieren, in dem große Marken wie zum Beispiel Dior und Fendi dämonisiert werden, um Konsum mit Liebe und Moral in Verbindung zu bringen und so das kritische Denken der Zuschauer anzuregen, die ermutigt werden, ein Gefühl dafür zu entwickeln Skepsis gegenüber bestimmten gesellschaftlichen Standards. Auf „ähnliche“ Weise stellt das Gemälde Elisir Nr. 5 der Artmajeur-Künstlerin Simona Zecca die Chanel-Inschrift in einen Kontext, der von der menschlichen Figur dominiert wird, und fängt den Betrachter fast unvorbereitet ein, der, in die Betrachtung des Hauptthemas versunken, sich dabei ertappt, wie er das Hauptmotiv vergöttert Gottheiten der Massenkultur.
Pop-Art und Marken – Marken und Pop-Art
Bisher haben wir gesehen, wie Kunst, die der luxuriösesten Mode huldigte, die Form stillschweigender Werbung angenommen hat, ohne zu bedenken, dass auch die umgekehrte Beziehung möglich ist, die darauf abzielt, einzutreten, wenn eine Marke ihre Werbung in echte Werke verwandelt Kunst, die Werke zeitgenössischer Künstler einbezieht, ebenso wie die surrealen Bilder und Ikonographien vergangener Zeiten, die in den Kunstwänden zum Leben erweckt werden sollen, die der spanische Künstler Ignasi Monreal für Gucci in Mailand, New York und Hongkong geschaffen hat. Eine weitere Form der Kunst-Mode-Beziehung wird verwirklicht, wenn die klassischsten Bilder aus dem figurativen Repertoire in den Werken verwendet werden, die in einem neuen konsumistischen Pop-Kontext umfunktioniert werden, ein Konzept, das von der Artmajeur-Künstlerin Helen She mit David Fendi, einem Gemälde, gut umgesetzt wurde Ziel war es, Michelangelos Meisterwerk in ein beliebtes Mode-Testimonial zu verwandeln, das in einer Pose gefangen ist, die denen der bekanntesten Persönlichkeiten aus der Welt der Unterhaltung ebenbürtig ist und die im Allgemeinen von Marken weithin ausgenutzt wird. Immer noch zum Thema Helen She: Sie hat auch Gucci-Träume geschaffen, einen weiblichen Akt, der in Anlehnung an die traditionellere Ikonographie von Tizians Venus von Urbino, Manets Olympia, Giorgiones Schlafendem Akt usw. in der Art einer Pose dargestellt ist Comicstrip, der explizit auf eine andere italienische Marke anspielt: Gucci. Schließlich ändert sich das Verhältnis zwischen Kunst und Mode noch einmal in Géraldine G.s Collage und Acryl mit dem Titel „Gucci in Bloom“, einem Werk, bei dem es wahrscheinlich der Künstler von Artmajeur ist, der das dekorative Motiv, das auf der Verpackung von Guccis Flora erscheint, auf innovative Weise neu interpretiert Parfüm, obwohl in Géraldines künstlerischer Untersuchung die Gegenüberstellung von Werbung und natürlichen Themen sehr häufig vorkommt und darauf abzielt, die Symbole des Lebens schlechthin mit denen einer ebenso endlosen Kreativität hauptsächlich konsumorientierter Natur zu verbinden.
